Se Peggy Guggenheim è famosa soprattutto per la sua collezione d'avanguardia di arte moderna proveniente dall'Europa e dagli Stati Uniti, un aspetto meno noto, ma altrettanto importante, della sua collezione riguarda il suo fascino per le arti dell'Africa, dell'Oceania e delle Americhe.
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Dodici fantastici artefatti
Nel 1959, Guggenheim acquistò quelli che descrisse come "dodici fantastici manufatti, costituiti da maschere e sculture provenienti dalla Nuova Guinea, dal Congo belga, dal Sudan francese, dal Perù, dal Brasile, dal Messico e dalla Nuova Irlanda". Questi dodici oggetti costituiranno la base della sua collezione di arte non occidentale, che continuerà ad ampliare nel corso degli anni Sessanta, arrivando a raccogliere circa 50 opere provenienti da varie culture del mondo. Nel 2021, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, ospitata nel Palazzo Venier dei Leoni (casa e museo di Peggy sul Canal Grande), ha esposto la sua collezione di arte africana, oceanica e precolombiana in una mostra intitolata Oggetti Migranti. La mostra ha presentato per la prima volta nel loro insieme gli oggetti nella loro residenza veneziana, accostandoli ad altre opere moderniste raccolte dalla Guggenheim da artisti come Alberto Giacometti, Pablo Picasso e Tancredi Parmeggiani.
Collezionare Arte non-occidentale
La collezione di Guggenheim rifletteva la crescente popolarità dell'arte africana, oceanica e precolombiana disponibile in Occidente a partire dagli anni Cinquanta. In effetti, sebbene Guggenheim sia stata una pioniera nel patrocinio di alcuni artisti contemporanei europei e americani, si ritiene che il suo interesse per l'arte non occidentale sia stato piuttosto mainstream.
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Max Ernst, il pittore surrealista tedesco-americano con cui Guggenheim fu sposata per un breve periodo, era ad esempio un appassionato collezionista di arte precolombiana e oceanica e probabilmente influenzò il percorso della stessa Guggenheim. Nel 1959, quando acquistò i primi dodici manufatti, New York era diventata un centro per il mercato dell'arte africana in particolare, con diverse gallerie specializzate nella rivendita di manufatti a collezionisti e artisti. Ma già a partire dalla fine del XIX secolo gli oggetti provenienti dall'Africa, dal Pacifico e dal Sud America cominciarono a essere portati in Europa attraverso il commercio coloniale e le spedizioni etnografiche. Nel primo decennio del XX secolo, artisti modernisti occidentali come Giacometti, Matisse e Picasso iniziarono a collezionare e ad appropriarsi dell'estetica dell'arte africana e oceanica. Questi artisti trovavano gli oggetti etnografici esotici e affascinanti, secondo loro evocavano un senso di non familiarità e di autenticità non intaccata dalla modernità.
Il loro interesse per questi oggetti è oggi definito "primitivismo modernista": una fascinazione per gli oggetti e le culture provenienti da parti del mondo ritenute impropriamente più primitive. Il loro impegno era principalmente estetico: rimosse dalle loro terre d'origine, queste opere venivano decontestualizzate, le loro origini oscurate e il loro scopo spesso ignorato. Molti dei contemporanei di Guggenheim sostenevano addirittura la deliberata ignoranza del soggetto. Lo scultore inglese Henry Moore, ad esempio, sosteneva che per comprendere l'arte "primitiva" "è più importante guardarla che impararne la storia".
Peggy Guggenheim e l'Arte Africana
La collezione di arte africana di Guggenheim riflette le preferenze estetiche prevalenti negli anni Cinquanta e Sessanta. Comprende sculture dell'Africa occidentale e centrale, provenienti da paesi come Guinea, Mali, Costa d'Avorio, Nigeria, Gabon, Repubblica Democratica del Congo e Angola. La collezione presenta celebri tipi di oggetti preferiti dai modernisti occidentali, tra cui un copricapo Baga D'mba della Guinea e una figura di guardiano reliquiario Kota del Gabon. Ci sono diverse sculture Senufo del Burkina Faso e della Costa d'Avorio e alcuni esempi di sculture Dogon del Mali. La maggior parte delle opere africane della sua collezione sono state create nella prima metà del XX secolo, rendendole contemporanee alle sue opere occidentali.
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Peggy Guggenheim e l'Arte Oceanica
La collezione Guggenheim comprende nove oggetti provenienti dal Pacifico, prevalentemente dalla parte della Papua Nuova Guinea che era sotto l'occupazione tedesca. Sono inclusi due oggetti malangan, una maschera e una scultura, provenienti dalla Nuova Irlanda, e un tappo per flauto proveniente dalla zona del fiume Sepik in Nuova Guinea. Uno degli oggetti più sorprendenti provenienti dalla provincia indonesiana di Papua è una canoa dell'anima Asmat, o wuramon, che Guggenheim acquistò negli anni Sessanta. Raffigura un gruppo di creature soprannaturali, ognuna delle quali prende il nome da uno specifico antenato recentemente scomparso, di cui incarna lo spirito. Il centro è dominato da uno spirito dell'acqua, mentre scendendo lungo lo scafo si trovano figure che rappresentano altri spiriti, con un uccello su un'estremità.
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Peggy Guggenheim e l'Arte Pre-Colombiana
L'interesse della Guggenheim per l'arte precolombiana fu suscitato dal marito Max Ernst, che gliela fece conoscere dopo il loro viaggio in Messico nel 1959. Pur avendo una conoscenza meno approfondita dell'arte andina e amazzonica, la sua selezione di opere sudamericane dimostra un impegno genuino. Nella sua collezione spiccano tre opere dell'antico Messico occidentale. Le figure in terracotta di Guggenheim provenienti da Nayarit, due figure libere e una coppia di sposi con un bambino, esemplificano la scultura in scala ridotta dell'antico Messico occidentale. Nonostante le differenze culturali e geografiche, questi pezzi hanno tutti un legame con le pratiche funerarie e servono come forma di ricordo per i defunti. Le sue opere Chimu, una maschera di mummia a tre pannelli e un poncho di piume, provengono da sepolture d'élite e sono eccellenti esempi di arte precolombiana.
La realizzazione di un museo
Un'analisi delle fotografie originali scattate mentre Peggy Guggenheim viveva a Palazzo Venier dei Leoni suggerisce un impegno principalmente estetico con questi oggetti. In molte delle sue installazioni, Guggenheim ha seguito essenzialmente quello che gli studiosi hanno definito il modello dell'"affinità": accostare arte occidentale e manufatti etnografici per ottenere un impatto visivo, concentrandosi solo sulle qualità formali, forse in modo acritico.
In una fotografia del 1966 del Palazzo, ad esempio, una figura maschile dogon seduta del Mali si trova di fronte a Sulla spiaggia di Picasso del 1937. L'accostamento sottolinea le sovrapposizioni visive tra le due opere: le forme astratte, le superfici piatte e i contrasti tra linee rotonde e rette. In un altro caso, una scultura D'mba realizzata da un artista Baga della Guinea appare di fronte a Lo studio (1928) di Picasso per un impatto visivo simile. Allo stesso modo, le sue figure in piedi del Messico occidentale sono installate in modo da incoraggiare le somiglianze visive, enfatizzando e riflettendo le opere moderniste, sia che si vedano accanto a Il poeta di Picasso (1911) o al Paesaggio con macchie rosse n. 2 di Kandinsky (1913).
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Tolti dal loro contesto, questi oggetti vengono combinati in vari allestimenti per creare nuovi significati. Per alcuni artisti e intellettuali dell'epoca, questa era l'essenza stessa del fare arte e del curare. André Breton, ad esempio, sosteneva questa de-contestualizzazione. Come uno dei fondatori del Surrealismo, dichiarò che "fin dall'inizio, il corso del Surrealismo è inseparabile dal potere di seduzione, di fascinazione, che gli oggetti oceanici esercitavano su di noi". Breton sosteneva la necessità di liberare gli oggetti dai loro contesti e dalle loro origini per raggiungere un'immaginazione visionaria collettiva. Così, nella collezione Guggenheim, oggetti oceanici come una scultura di malanga proveniente dalla Papua Nuova Guinea si trovano spesso accanto a pittori surrealisti, tra cui i dipinti del marito Max Ernst.
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Per alcuni critici, l'impegno della Guggenheim con l'arte non occidentale si presenta come una raffinata decorazione, in contrasto con il suo collezionismo modernista, che sembra più ponderato. Per altri, invece, le giustapposizioni create nelle sue installazioni hanno il potenziale di stimolare gli spettatori e forse di raggiungere l'immaginario collettivo, come avrebbero sperato i surrealisti.
