Piet Mondrian e la purificazione radicale della tela

Piet Mondrian fu, con Kandinsky e Malevich, uno dei primi pittori ad esprimersi usando un linguaggio astratto. La sua esperienza artistica ha gradualmente cancellato ogni riferimento al visibile, nel tentativo di esprimere l'essenza della realtà. Le sue opere sono tutt'oggi di grande ispirazione in diversi campi come architettura, arti decorative, mobili, moda e grafica.

Piet Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-1943, olio su tela, Museum of Modern Art, foto via Wikimedia Commons
Piet Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-1943, olio su tela, Museum of Modern Art, foto via Wikimedia Commons

Pieter Cornelis Mondriaan nacque il 7 marzo 1872 ad Amersfoort, nei Paesi Bassi. Il giovane Piet si avvicinò all'arte molto presto, incoraggiato dal padre e dallo zio, dal quale fu introdotto alla pittura en-plein-air (un'innovazione, nel 1880) sulle rive del Gein. Influenzato dall'arte della tradizione romantico-nordica, che a cavallo del XX secolo riproduceva molti paesaggi del sottobosco, Mondrian studiò gli effetti della luce e della forma, facendo degli alberi in controluce un suo tema ricorrente.

Piet Mondrian,  Ferme sur le Gein, dissimulée par de grands arbres, 1906-1907, carboncino su carta, foto © Christie's
Piet Mondrian, Ferme sur le Gein, dissimulée par de grands arbres, 1906-1907, carboncino su carta, foto © Christie's

Nel 1892, Mondrian si iscrisse alla Royal Academy of Fine Arts di Amsterdam (all'epoca era già un professore diplomato) e dopo il 1900 la sua pittura si avvicinò al movimento simbolista. Nel giugno 1908, l'incontro con Jan Toorop, pilastro del simbolismo olandese, confermò il suo nuovo stile, rafforzando la necessità d'esplorazione di "forme-idee". Questa ricerca artistica è ben visibile, tra altre opere, nel suo schizzo del 1907 intitolato "Le Nuage Rouge", in cui il paesaggio è semplificato all'estremo e i colori assumono un valore simbolico. A poco a poco, Mondrian si distacca dalla figurazione...

Piet Mondrian, L'Arbre rouge, 1908-1909, olio su tela, Gemeentemuseum, foto via Wikimedia Commons
Piet Mondrian, L'Arbre rouge, 1908-1909, olio su tela, Gemeentemuseum, foto via Wikimedia Commons

I suoi dipinti si svuotano, i colori diventano più puri e si liberano dal concetto di rappresentazione della realtà. La scoperta delle opere di Van Dongen e Van Gogh avrà un effetto importante sulle sue opere. Mondrian abbraccia l'uso simbolico del colore e in uno scoppio di lirismo, spinge la sua tavolozza all'estremo in "Moulin au soleil" (1908) e l’Arbre rouge (1908-1909), dipinti con rossi sgargianti tagliati di blu su decorazioni esplose.

La sua fase cubista prese il via a Parigi, quando vi si trasferì nel 1911 e abbandonò il suo nome esteso per essere chiamato solo "Piet Mondrian". Il percorso, già tracciato dai suoi contemporanei Picasso e Braque lo portò verso una riduzione della tavolozza, prima di amplificare un po' di più l'astrazione con ogni tela, per finire raggiungendo il punto dove la figura viene completamente cancellata nella struttura. In seguito dichiarò: "Avevo sentito che solo i cubisti avevano scoperto la strada giusta e per molto tempo ne sono stato molto influenzato."

Piet Mondrian, Paesaggio, 1912
Piet Mondrian, Paesaggio, 1912

Gli anni del 1913 e 1914 definirono per sempre il resto della sua carriera, quando si impose con un nuovo linguaggio pittorico e divenne uno dei protagonisti dell'arte astratta. Trasportato da un movimento in piena effervescenza, la sua arte esplose accanto a Kandinsky, Léger, Picabia e Delaunay. Nel gennaio del 1914, riassunse i suoi progressi intellettuali in una lettera al suo amico Brenner: "Costruisco linee e combinazioni di colori su superfici piane per esprimere, con la massima coscienza, una bellezza generale. La natura (o ciò che vedo) mi ispira, mi mette, come ogni pittore, in uno stato emotivo che mi spinge a creare qualcosa, ma voglio stare il più vicino possibile alla verità ed estrarre tutto, fino a che che raggiungo la fondazione (che rimane solo una fondazione esterna!) delle cose […]. Credo che sia possibile, grazie a linee orizzontali e verticali costruite in piena consapevolezza, ma senza calcoli, suggerite da un'intuizione acuta e nate dall'armonia e dal ritmo, che queste forme fondamentali di bellezza, integrate secondo necessità da altre linee rette o curve, producano un'opera d'arte tanto potente quanto vera."

Piet Mondrian, Océan 5, 1915, carboncino e gouache su carta, collezione Peggy Guggenheim, foto via Wikimedia Commons
Piet Mondrian, Océan 5, 1915, carboncino e gouache su carta, collezione Peggy Guggenheim, foto via Wikimedia Commons

Mondrian tornò nel sue paese nel 1915, dopo la morte di suo padre e lavorò per evidenziare le inadeguatezze del cubismo non solo trascendendole, ma anche passando a un'astrazione più pura. Le sue opere, come "Océan 5" (1915), sono costruite su linee verticali e orizzontali e sebbene siano composte su un motivo preciso, sono solo una radicale semplificazione della grafica. Durante quell'anno, Mondrian iniziò molti dipinti, terminandone pochi.

Contribuì alla rivista olandese De Stijl, fondata da Theo van Doesburg nel 1917, per poi tornare a Parigi nel 1919 e dedicarsi (nel suo laboratorio di rue de Coulmiers) a carte colorate e tele più o meno finite. Questo nuovo lavoro lo portò alla creazione di un decoro neoplastico, che influenzò il contenuto dei suoi dipinti e talvolta ne definì la forma e la posizione. Come riferiscono i suoi scritti pubblicati su De Stijl, Mondrian desiderava scartare la natura materiale per conservare solo la sua essenza, per esprimersi solo con "l'astrazione di ogni forma e colore, vale a dire […] La linea retta e il colore primario chiaramente definito."

Piet Mondrian, Composition No. III, with Red, Blue, Yellow, and Black, 1929, foto © Christie's
Piet Mondrian, Composition No. III, with Red, Blue, Yellow, and Black, 1929, foto © Christie's

È così che rosso, giallo e blu integrano la sua tavolozza in modo permanente, arrivando ad associarsi al bianco, che serve principalmente come sfondo, e al nero, che delimita i colori tra di loro. Mondrian variava le dimensioni dei rettangoli e lo spessore delle linee, ma strutturava le sue opere in una rigorosa geometria, conferendo all'angolo retto un'importanza primordiale, come volevano le sue credenze teosofiche.

Mondrian perfezionerà il suo stile per un periodo 20 anni, fino al suo soggiorno a New York. A volte monocromatico, a volte colorato, con o senza doppie linee, Mondrian esplorò tutte le possibili variazioni plastiche diventando una figura chiave del movimento moderno nelle arti e nell'architettura. Arrivò persino a ispirare il mondo della moda, come nel 1931, quando la stilista Lola Prusac creò per Hermès una serie di valigie ispirate alle sue opere, o nel 1965, quando Saint-Laurent lanciò la famosa collezione Mondrian composta da sei abiti stampati con le sue celebri linee e forme colorate.

Yves Saint Laurent, Collection Mondrian, 12 gennaio 1966, foto © Eric Koch/Licence CCO
Yves Saint Laurent, Collection Mondrian, 12 gennaio 1966, foto © Eric Koch/Licence CCO

Supportato da Peggy Guggenheim, Mondrian ebbe un grande successo e fu il primo a indicare alla celebre mecenate le potenzialità di Jackson Pollock per lo sviluppo dell'arte astratta. Mondrian morì di polmonite nel febbraio del 1944. Durante la sua veglia funebre, furono radunate quasi 200 persone, tra cui gli artisti Alexander Archipenko, Marc Chagall, Marcel Duchamp, Fernand Léger, Alexander Calder e Robert Motherwell.

Mondrian è oggi uno degli artisti più quotati al mondo. Il dipinto Composition No. III, with Red, Blue, Yellow, and Black (1929), venduto per $ 50.6 milioni (45 milioni di euro), ha stabilito il suo record mondiale nel maggio 2015 da Christie's.

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