Oggetti "Setdart"

JOSE LUIS ALVAREZ VELEZ (Vitoria, 1949)

JOSE LUIS ALVAREZ VELEZ (Vitoria, 1949). Sin título. Escultura en bronce, ejemplar 59/75. Firmada y justificada. Medidas: 32 x 27 x 33 cm. Artista multidisciplinar, José Luis Álvarez comienza su carrera como artista a muy temprana edad. En 1965 ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Mariano Basterra, y completa su formación en cursos posteriores con Victor Arámburu y Aurelio Rivas, realizando su primera exposición en el año 1967 en su ciudad natal. En el año 1973 recibirá una beca para viajar a Roma, ciudad a la que finalmente se trasladará y en la que aprenderá horizontes artísticos. De hecho, será en el año 1978 cuando, gracias a una nueva beca otorgada por Fundación Juan March, Vélez centre sus estudios en la escultura y en el cristal en la isla de Murano. En un primer momento, la producción artística de Alvarez se centra en la pintura, siendo el paisaje vasco su principal referente temático y expresivo. Sin embargo, el artista vasco también trabaja la joyería, los esmaltes e incluso la restauración. En cuanto a su obra escultórica, esta se caracteriza por ser contenedora de una sensibilidad plástica inaudita. En ella, Velez trata aspectos trascendentales como la muerte o la destrucción, a través de una técnica completamente contemporánea. De esta manera, arriesgadas curvas, redondez rotunda y armonía se fusionan en una obra dinámica y en movimiento, de tremendísima expresividad plástica, que define la identidad característica de Vélez.Leggi di più

  • ESP
  • 7d 3h
Stima minima
1 500 EUR

LIDIA VIVES (Lleida, 1991) Smoker III

LIDIA VIVES (Lleida, 1991) Smoker III. 2016 Fotografía impresa en papel de baryta de gramaje 325 g/m2. Extrabrillante. Tirada limitada de 3, firmada, numerada y con certificado de autenticidad. Medidas: 57.32cm x 84.1cm Licenciada en Bellas Artes y especializada en imagen, Lidia Vives es fotógrafa artística. Su trabajo se caracteriza por el ambiente pictórico, el manejo del color y el carácter onírico que logra transmitir. Su mayor interés en el momento de crear una imagen no es sólo el efecto técnico, sino también el anecdótico. Le interesa que la gente interprete su fotografía, crear dudas. Esto hace que el espectador se vea obligado a mirarla durante un rato y se adentre en la historia. La idea es que resulte inquietante, que parezca que el personaje empezará a moverse en cualquier momento, que dejen claro que solo son el fotograma de una secuencia. No quiere crear escenas, sino mundos nuevos. Exposiciones (selección): 2016- Sex Series, Fifty Dots Gallery, Barcelona, España (Solo); 2015 - Shared Experience, Inqubator Art Gallery, Melbourne, Australia (Colectiva), Evasiones, Galería Léucade, Múrcia, España (Colectiva), El + de la fotografia, Cercle de Belles Arts, Lleida, España (Colectiva). 2014 - Wonderland, Espacio Luvitien, Teruel, España (Solo). 2013 - Wonderland, Casa de la Cultura de Andorra, Teruel, España (Solo). 2012 - Lidia's Shots, Funatic, Lleida, España (Solo). Su obra ha aparecido en numerosas publicacionesLeggi di più

Stima minima
1 000 EUR

"ELENA GAGO", ELENA FERNÁNDEZ GAGO (La Coruña, 1940-2011)

"ELENA GAGO", ELENA FERNÁNDEZ GAGO (La Coruña, 1940-2011). “Florero”. Óleo sobre tabla. Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 34 x 26 cm; 54 x 46 cm (marco). Considerada como una de las principales artistas de la plástica coruñesa del siglo XX, Elena Gago formó parte de la generación de la que partió la renovación de la pintura gallega de los años sesenta, dentro de la cual formaban parte pintoras como Mercedes Ruibal, María Antonia Dans o María Victoria de la Fuente, entre otras. En un primer momento, Gago se formó de la mano de la también pintora Dolores Díaz Baliño, para posteriormente trasladarse a Madrid, donde ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y donde asistió a las clases impartidas en el Círculo de Bellas Artes. Será en la década de los años sesenta cuando alcance mayor prestigio, hecho que le llevará a exponer sus obras en diferentes ciudades tanto del panorama español como europeo. De esta manera, Alemania, Bélgica, Estados Unidos o Japón serán algunos de los diferentes países testigos de su éxito, en los que cautivó tanto al público como a la prensa especializada y que llevaron a que su obra fuera aclamada por importantes personalidades de la época, como por el catedrático Camón Aznar o por el escritor Camilo José Cela. El estilo de Gago se caracteriza por un acusado realismo poético que no se centra en la precisión o en el empleo de una técnica completamente virtuosista, sino que sus pinturas se caracterizan por el realce de los valores pictóricos, produciendo un efectismo espacial, lumínico y colorista de los elementos domésticos generalmente representados. Su obra está presente en colecciones nacionales e internacionales, así como en la Fundación María José Jove, entre otras.Leggi di più

Stima minima
1 000 EUR

Arca catalana, finales del s

Arca catalana, finales del s. XVII- principios del s. XVIII. Madera de nogal y marquetería de limoncillo. Medidas: 68 x 137 x 54 cm. Las grandes arcas llamadas de novia y de novio se generalizaron en Cataluña a lo largo de los siglos XIV y XV. Se trataba de grandes muebles contenedores, útiles para guardar prendas de vestir, ropa de casa, objetos de orfebrería, en definitiva, el “ajuar” que en muchas ocasiones constituía parte o toda la dote de la novia y que acompañaba a esta en su traslado a la casa del novio. El arca es uno de los principales muebles de la casa de la baja edad media. Los inventarios constatan su existencia en los dormitorios, pero también en otras estancias, empleadas, en muchos casos, además de como contenedores de bienes, como asientos, gracias a sus tapas superiores planas. En las últimas centurias de la Edad Media se establecerá una tipología que pervivirá, gracias a su sencillez y funcionalidad, durante los siglos siguientes, variando únicamente los elementos decorativos. El ejemplar que ahora presentamos se eleva sobre cuatro patas, talladas a modo de garras. Consta de un basamento moldurado, decorado con relieves vegetales intercalados con plafones con aves y flores realizados en marquetería de limoncillo, que destaca por su color ambarino sobre el nogal, más oscuro. El cuerpo del contenedor, de formato paralelepipédico, se divide al frente en tres plafones, separados mediante relieves florales. El plafón de la derecha constituye, en realidad, una portezuela que se abre revelando tres cajones. Este cuerpo presenta una decoración de inspiración arquitectónica, organizada a base de parejas de arcuaciones de medio punto, sostenidas por columnas de fuste salomónico, con entredoses decorados con elementos vegetales. Las arcuaciones enmarcan motivos florales de notable naturalismo, realizados también con marquetería. Un friso, donde vuelven a intercalarse motivos vegetales tallados con elementos de marquetería, remata la pieza, que cierra con tapa plana.Leggi di più

  • ESP
  • 8d 2h
Stima minima
2 500 EUR

ANTONIO GISBERT PÉREZ (Alcoy, Alicante, 1834 – París, 1902)

ANTONIO GISBERT PÉREZ (Alcoy, Alicante, 1834 – París, 1902). “Fiesta popular”. Óleo sobre tabla. Presenta repintes. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 71 x 82 cm; 93 x 115 cm (marco). En esta obra Gisbert plasma una fiesta popular, donde varios ciudadanos participan en la misma, cantando, bailando o tocando algún instrumento. La obra es un reflejo de la sociedad de la época, siendo así cercana a la corriente costumbrista. Tradicionalmente, la pintura y la literatura españolas del siglo XIX y XX se han interesado por las costumbres y los tipos populares. El mismo Sorrolla comentó “Quiero dar, siempre dentro del verismo de mi escuela, una representación de España; no buscando filosofías, sino lo pintoresco de cada región”. Esta corriente se extendió por todas las provincias de España siendo Andalucía la que mayor fama alcanzó en la representación de la vida popular. Por ello Este tipo de obras fueron muy habituales, y apreciadas, en el arte español desde el siglo XIX hasta bien entrado el siglo XX. Donde se estilaba la creación de patrones populares retratados a través de una visión idílica donde el autor se encuentra influido por una estética y herencia romántica, desarrollado durante la segunda mitad del siglo XIX y que derivó en una concepción localista del paisaje, en obras que reflejaban el amor por la propia tierra y la belleza y el lirismo de lo cotidiano, lo cercano, lo conocido. La estética de la obra es de carácter romántico ya que presenta tipos populares de manera idealizada. Antonio Gisbert fue un pintor español de temática histórica, activo durante la transición entre el romanticismo y el realismo. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y, posteriormente, en Roma y París. Representa una tendencia pictórica propia de la segunda mitad del siglo XIX: la pintura de grandes acontecimientos en relación con la historia nacional. Es la llamada “pintura de historia” o “realismo retrospectivo”, que pretende representar con realismo y veracidad de cronista hechos del pasado histórico del país. También fue célebre por sus retratos, destacando los conservados en el Congreso de los Diputados. Asimismo, fue director del Museo del Prado entre 1868 y 1873, año en que se trasladó definitivamente a París. En el corto periodo de seis años –cuatro convocatorias de la Exposición Nacional de Bellas Artes–, Gisbert obtuvo tres medallas de oro casi consecutivas: en 1858 (obra remitida desde Italia), 1860 y 1864. La suya es una pintura ajustada, de perfecto dibujo y hábil puesta en escena. En su carrera tuvo una especial importancia su amistad con el duque de Aosta, futuro Amadeo I, a quien Gisbert retrató en dos ocasiones, convirtiéndose en poco menos que en pintor áulico. Su perfil artístico presenta dos fases bien diferenciadas. La primera pertenece a su etapa madrileña y como pensionado en Roma, y se caracteriza por obras históricas de carácter reivindicativo. La segunda corresponde a la época de París, la más larga, durante la cual desarrolló una pintura galante, amable y anecdótica, más colorista y luminosa pero carente ya de compromiso social. Antonio Gisbert está actualmente representado en el Museo del Prado, el Casón del Buen Retiro, los Museos de Bellas Artes de Alicante y Bilbao y en el de Historia Mexicana, entre otros.Leggi di più

  • ESP
  • 8d 3h
Stima minima
8 000 EUR

Bargueño con mesa

Bargueño con mesa. España, finales del s. XIX. Madera de nogal, limoncillo, palosanto y hueso grabado. Medidas: 94 x 52 x 30 cm (bargueño); 110 x 82 x 40 cm (mesa). Bargueño realizado siguiendo de forma fiel los modelos del barroco español de influencia flamenca. Se trata de un escritorio de muestra descubierta con mesa a juego, con patas y columnas de fuste torneado helicoidal y detalles tallados (las patas del bargueño, en forma de garra de ave sobre bola, son típicas de esta tipología en los siglos XVII y XVIII, especialmente en los muebles de influencia flamenca). La decoración se basa en el contraste entre los diferentes tonos de las maderas y el color blanco del hueso. Estos dos últimos materiales se combinan en una rica marquetería de parte y contraparte, una técnica decorativa que se utilizaba generalmente para parejas de muebles, aprovechándose así al máximo el material. En uno de los muebles, o primera parte, los motivos se veían en color claro sobre fondo oscuro, y al revés en la segunda parte o segundo mueble. La marquetería representa diversas escenas figurativas. En las zonas secundarias aparecen motivos fitomórficos. Las escenas de marquetería cuentan con numerosos detalles grabados sobre el hueso. Además, en las zonas secundarias (laterales, interior de la puerta de la capilla) aparece una marquetería más simple combinando maderas, formando esquemas geométricos. La muestra del bargueño se organiza en tres calles, las laterales más anchas, con cuatro gavetas cada una, y la central más estrecha aunque destacada por la decoración de recuerdo renacentista, con un esquema arquitectónico central. Las gavetas siguen todas un mismo esquema, con el frente compartimentado en dos recuadros, bien diferenciados mediante molduras escalonadas de nuevo tomadas directamente de modelos barrocos. En cada uno de los recuadros vemos una placa de marquetería con fondo de hueso, con figuras de animales en entornos de paisaje, motivos propios del tema de cacería. Entre ambas placas se sitúa un escudo de cerradura. La puerta de la capilla central da acceso a un interior ocupado por cuatro gavetas sin molduración pero también decoradas con placas de marquetería, siguiendo la composición exterior pero sin decoraciones en hueso ni cierre con llave.Leggi di più

  • ESP
  • 4d 2h
Stima minima
2 500 EUR

LLUIS GARRIGA FELIP (El Masnou, 1963)

LLUIS GARRIGA FELIP (El Masnou, 1963). Look in.2017. Oleo sobre lienzo. Firmado en la parte posterior. Medidas: 250 x 140 cm. Empezó sus estudios en artes plásticas a temprana edad, estudiando dibujo al carbón y pintura con diferentes academias de Barcelona. Ganó premios en dibujo y pintura. Exposiciones: Sala d'exposicions i actes culturals La Calàndria,Masnou, 1975. El Casino el Masnou, 1979. Galeria Adrià Barcelona, 1980. Sala cultural El cau Mataró, 1980. Restaurant Can Toni, Barcelona, 1985. Exposiciones en diversas salas culturales de Barcelona, Madrid, a lo largo de los años 90 y en el 2000. Exposición en la Galeria Marquez, Barcelona, 2016. Participación en la Feria Internacional Art Vancouver, Canadà, 2017. Influenciado por el Expresionismo Abstracto e inspirado en las obras de: Jackson Pollock, Antoni Tapies, Willem de Kooning, Joan Mitchell, José Guerrero, Miquel Barceló, Arshile Gorky, Franz Kline, entre otros. "En todo, la obra de Lluis Garriga es puro instante de labor con tiempo, energía trasladada al soporte. Surrealismo, psicodelia…la película de las formas que nos revela un todo de color amasado o serpenteando para no ser uno, sino el punto de convergencia donde todo alcanza otra dimensión de su naturaleza. En su obra está el peso de la materia y lo efímero, lo susceptible de soplo para ser cambiante y no parar jamás. A veces, el artista actúa sobre el soporte como una extensión de sí mismo llegándose a percibir tal extremo. De esa forma, su manera, construye una especie de cuerpos acumulados. Cuerpos sin forma definida, pero materia de cuerpo en sus modulaciones que el color convierte en un encadenamiento sin fin. Encadenadas obras, unas tras otras de eslabones definidos en la pluralidad del propio devenir, del propio ser, de la propia persona, del propio existir que no puede sino ser múltiples para ser uno. En todas y cada una de ellas está Lluis Garriga. En la multiplicación, en el misterio del movimiento eterno para revelar que la mejor manera de mantener todo el misterio del mundo se encuentra, precisamente, en la absoluta transparencia" (Juan Antonio Tinte, Profesor Universidad Complutense).Leggi di più

  • ESP
  • 7d 3h
Stima minima
3 000 EUR

JOAN RIPOLLES (Castellón, 1932)

JOAN RIPOLLES (Castellón, 1932). “Chica de la manzana”. Bronce. C.P.A Ejemplar 2/5. Firmada y justificada en la base. Adjunta certificado de autenticidad de autor. Medidas: 54 x 35 x 18,5 cm. Conocido por su segundo apellido o como “el Beato Ripo”, Joan García Ripollés descubrió su pasión por la pintura cuando, siendo aún muy joven y en plena posguerra, entró a trabajar en un taller de pintura industrial. Desde entonces se dedicó a pintar por las noches, y más tarde recibió clases de dibujo en el instituto Ribalta de Castellón. Tras su debut en una colectiva celebrada en 1951 en la Caja de Ahorros de Castellón, en 1954 se produce un punto de inflexión en su carrera, a consecuencia de un viaje a París en el que estableció contacto con los círculos artísticos de la ciudad. No obstante, no pudo dejar la pintura industrial hasta 1958, momento en que se incorpora a la galería Drouand David de París, una de las más prestigiosas del mundo. Organiza su primera muestra individual de importancia en el MACBA, en 1962, y en 1967 viaja a Nueva York, donde expone y vende toda su colección a The William Haber Art Collection. Ese mismo año, el marchante neoyorquino Leon Amiel, de la galería Larrouse, adquiere toda su obra, algo que se repetirá en su viaje a Japón. Desde este momento se inicia una fulgurante carrera internacional que ha llevado su obra por todo el mundo. Ha organizado muestras individuales no sólo en España, París y Nueva York, sino también en México, Holanda, Bélgica, Italia, Suiza, Suecia, diversas ciudades estadounidenses, Alemania y Japón. Actualmente es artista exclusivo de The William Haber Art de Nueva York y de la Galerie Drouand de París. En el año 2000 se le concedió el Premio de las Artes de la Comunidad Valenciana. Ripollés se define a sí mismo como “adulto inmaduro” y, ante todo, “desenfadado, un poco picaresco y con algo de ingenuidad”, palabras que reflejan su exuberante espíritu creativo, su carácter sencillo y extrovertido y su alma de niño. Ripollés es, hoy en día, uno los artistas españoles más internacionales, y también uno de los más completos, ya que ha trabajado con brillantez la pintura, la escultura y el grabado. Está representado en el IVAM, el MOMA de Nueva York, el Museo de la Universidad de Alicante, el de Bellas Artes de Sevilla y el MACBA.Leggi di più

  • ESP
  • 1d 3h
Stima minima
5 000 EUR

JOAN SERRA MELGOSA (Lleida, 1899 – Barcelona, 1970)

JOAN SERRA MELGOSA (Lleida, 1899 – Barcelona, 1970). “Calella”. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Etiqueta de Sala Parés adherida al dorso. Medidas: 81 x 100 cm; 101 x cm (marco). Vista de playa de Calella de la costa, resuelta con el característico trazo espontáneo de Joan Serra, una pintura de rauda técnica y contrastada cromía. Joan Serra Melgosa se formó en la Escuela de la Lonja de Barcelona, donde fue discípulo de Francesc Labarta. Miembro del grupo Los Evolucionistas, expone por primera vez en 1918. Pintó sobre todo intensos autorretratos, naturalezas muertas y paisajes, en tonos terrosos y un estilo nervioso dominado sin embargo por un rigor constructivo de raíz cézanniana. En 1925 viaja a Madrid, donde se interesó especialmente por el Greco, y dos años después pasa unos meses en París. Estuvo muy ligado a la sala Parés de Barcelona, donde expuso regularmente desde 1927. Enfermo de tuberculosis, en 1930 se retira a varios sanatorios de montaña, donde se acercó aún más al paisaje. Expuso tanto en la sala Parés como en Madrid, Bilbao, Valencia y San Sebastián, además de participar en las exposiciones de París, Londres, Pittsburgh, Buenos Aires, Montevideo y Caracas. Entre sus premios destacan el del Ayuntamiento de Barcelona en 1931 y la medalla de oro Jaume Morera en 1950. Está representado en el MACBA y en el de Bellas Artes de Lleida.Leggi di più

  • ESP
  • 4d 3h
Stima minima
1 400 EUR

Entredós

Entredós. Francia, siglo XIX, época Napoleón III, estilo Transición. Madera bois de violette, con marquetería y sobre de mármol. Medidas: 131 x 160 x 61 cm. El mueble consta de cuatro patas cabriolé, decoradas con aplicaciones metálicas, con motivos vegetales. Las patas se unen en un faldón central que se decora con un relieve metálico, de inspiración vegetal. El cuerpo presenta una estructura tripartita, con una puerta más amplia en el centro, flanqueada por dos más estrechas en los laterales. Las tres constan de cerraduras, con bocallaves metálicas de decoración vegetal. El compartimiento central se decora con un medallón ovalado que incluye una cesta de flores, complementada con guirnaldas y lazadas de estilo muy naturalista, todo realizado con marquetería. Las puertas laterales se decoran también con motivos vegetales, pero de tipo más sintético, con flores inscritas en puntas de diamante. El mismo motivo se repite en los laterales del mueble. Sobre las puertas se sitúa un entablamento, con tres cajones en el frente, con sencillas cerraduras que quedan disimuladas en la decoración geométrica, realizada de nuevo con marquetería. El mueble se remata con un sobre de mármol. El frente del entredós presenta una línea ligeramente curva, cosa que, unida a las patas cabriolé pero conjugada con cierta contención formal y con el aspecto clasicista de la decoración floral, permite clasificarlo como “estilo Transición”. El estilo Transición, nombre que recibe el lenguaje de paso entre el rococó de Luis XV y el neoclasicismo de Luis XVI, se desarrolla en Francia entre 1760 y 1775-80, aproximadamente, si bien en la corte será más temprano, y más retardatario en las provincias. Serán piezas que muestren una clara evolución de lo rococó a lo neoclásico, un cambio que se evidencia primero en la decoración y más tarde en la estructura. Además, la marquetería sigue siendo floral, rococó, pero ya no sobrepasa a la estructura, no la camufla.Leggi di più

  • ESP
  • 13d 2h
Stima minima
1 800 EUR

Aparador

Aparador. Francia, finales del siglo XVI. Madera de nogal tallada. Interiores forrados en tela, color marfil. Medidas: 193 x 126 x 51 cm. Este aparador renacentista presenta una estructura y decoración de tipo arquitectónico y estilo intensamente clasicista. Se eleva sobre estrechos pies que aíslan el mueble de la humedad y la suciedad, protegiendo su contenido. Cuenta con una base rectangular, moldurada, decorada con palmetas. Sobre esta base se sitúa el cuerpo bajo del aparador, decorado al frente con tres pilastras que enmarcan las dos puertas. Las pilastras se componen de un fuste inferior a base de elementos vegetales y entrelazados, y de un remate tallado a modo de mascarón o cariátide: se trata de bustos femeninos desnudos, de canon alargado y onduladas cabelleras. Las puertas presentan un diseño arquitectónico tallado: un nicho representado en perspectiva, compuesto por pilastras acanaladas y un arco de medio punto. Las dos puertas incluyen cerraduras con bocallaves metálicas Las pilastras sostienen un entablamento moldurado sobre el que se sitúan dos cajones, separados entre ellos por mascarones masculinos de expresivo gesto, tallados en altorrelieve. Los cajones se decoran con rizadas hojas de acanto, de aspecto carnoso, y presentan un tirador central, en metal dorado. El cuerpo superior repite, aunque con dimensiones más reducidas, el esquema del cuerpo inferior, tanto en la estructura como en la decoración, aunque en este caso las pilastras integran torsos y cabezas masculinas, en lugar de femeninas. Un relieve a base de rizados tallos vegetales intercalados con mascarones remata el cuerpo superior del aparador y sostiene el entablamento moldurado que lo cierra.Leggi di più

  • ESP
  • 8d 2h
Stima minima
4 000 EUR

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